Sector o la Industria del Entretenimiento

Nota: puede interesar en especial el análisis sobre el Sector de Producción y Distribución de Películas.

La industria del entretenimiento incluye una amplia variedad de disciplinas, como la radio, la televisión, el cine, la música, las publicaciones, los deportes para espectadores y el teatro. En los Estados Unidos la industria del entretenimiento comenzó a desarrollarse a finales del siglo XIX, expandiéndose rápidamente a lo largo del siglo XX. La industria ha tenido un enorme impacto en la cultura y la economía estadounidense, particularmente en el marketing y la publicidad. Debido a que es difícil medir el éxito antes de que un producto de entretenimiento sea producido y comercializado, la industria sigue estando sujeta a una demanda incierta. Otras características comunes de la industria incluyen un fuerte apego personal del productor (desde jugadores de béisbol hasta directores de cine) al trabajo y a los bienes, como los programas de televisión, que tienen éxito no por el número de unidades vendidas sino por el número de personas que los ven.
El concepto de entretenimiento de masas comenzó a finales del siglo XIX, un período conocido como la Edad Dorada (1870-99). Durante este tiempo los Estados Unidos estaba experimentando una segunda Revolución Industrial, haciendo grandes avances en los campos de la tecnología, la comunicación y la industria. Los viajes y las comunicaciones se hicieron más rápidos y más baratos, y la economía en expansión proporcionó a los americanos más dinero y tiempo para actividades de ocio, ayudando a la industria del entretenimiento.
En 1869 se fundó el primer equipo de béisbol profesional y se jugó el primer partido de fútbol americano universitario entre la Universidad de Rutgers y la Universidad de Princeton. La invención del fonógrafo en 1877 ofreció a los estadounidenses la posibilidad de escuchar música pregrabada, voz y otros sonidos. En 1881 se inauguró el New 14th Street Theater de Tony Pastor en la ciudad de Nueva York, convirtiéndose en el hogar del vodevil moderno, una forma de entretenimiento en vivo interpretado en un escenario. En 1895 se descubrió la radio y en los años 20 se convirtió en uno de los medios de entretenimiento más populares. A finales del siglo XIX y principios del XX, el entretenimiento se estaba produciendo y distribuyendo en masa a nivel nacional.

Una forma en que la industria del entretenimiento se diferenciaba de otras era que no había dos productos de entretenimiento iguales, incluso los del mismo género. Esto dificultaba a los productores la determinación de la calidad del espectáculo, o del producto, hasta que lo experimentaba el consumidor. En otras industrias, una vez que se experimentaba un producto, como un teléfono, el consumidor generalmente sabía qué era el aparato y cómo utilizar los aparatos posteriores. Sin embargo, las películas, los eventos deportivos, las sinfonías y los programas de radio eran a menudo muy diferentes. Un director podía hacer una película que el público considerara un éxito y luego hacer otra, siguiendo la misma fórmula, que no le gustara a nadie. No había un plan para determinar qué eventos, actuaciones o espectáculos serían populares o fracasos.

A finales del siglo XIX el entretenimiento en vivo se hizo popular en los Estados Unidos, y dos tipos de teatro se desarrollaron rápidamente. El teatro «Variety» ofrecía comedia, actuaciones musicales, magia escénica y otros espectáculos a precios bajos, mientras que el teatro «legítimo» presentaba obras literarias serias y se consideraba generalmente más sofisticado. El teatro de variedades, que enfatizaba la acción y la comedia, cruzaba las fronteras étnicas y económicas. La variedad fue el modelo del vodevil, una forma popular de entretenimiento escénico familiar que existió en varias formas desde finales del siglo XIX hasta mediados de los años cuarenta. El cine, la radio y luego la televisión alejaban a las audiencias del teatro, en parte porque estaban en el hogar y por lo tanto eran medios de entretenimiento más convenientes. Muchos artistas de vodevil hicieron con éxito la transición a estos nuevos medios, recuperando su audiencia. Aunque el atractivo del vodevil comenzó a desvanecerse en la década de 1920, el teatro legítimo prosperó en los espectáculos de Broadway de Nueva York y en lugares más pequeños de todo el país.

El entretenimiento en vivo, como la ópera, la sinfonía, el teatro y los conciertos, también se diferenciaba de otras formas de entretenimiento porque no se podían inventariar. A diferencia de un programa de televisión o radio que podía ser producido, almacenado y emitido posteriormente, los eventos en vivo requerían que el producto final se consumiera tal como se estaba realizando. Además, los espectáculos en vivo no podían entregarse al consumidor, sino que éste debía asistir al evento. Con la llegada de la radio y, más tarde, de la televisión, se grabaron muchas actuaciones en directo, como óperas, deportes para espectadores, sinfonías y conciertos, que se emitieron posteriormente. Sin embargo, las versiones grabadas ofrecían un pobre sustituto para el evento real. A principios del siglo XXI, el gran número de entradas que todavía se vendían para las actuaciones en vivo indicaba que muchos consumidores preferían experimentar las actuaciones en tiempo real.

En 1889 se logró la invención de las imágenes en movimiento cuando William Kennedy Laurie Dickson (1860-1935), trabajando en el laboratorio de Thomas Edison (1847-1931), desarrolló una cámara cinematográfica conocida como cinetógrafo y un primitivo dispositivo de proyección conocido como cinescopio. En 1896 el primer proyector de películas comercial, diseñado por Charles Francis Jenkins (1867-1934) y Thomas Armat (1866-1948), se utilizó para una muestra pública de películas en los Estados Unidos. Este momento es considerado por muchos como el comienzo de la industria cinematográfica americana. En ese momento no existían salas de cine, y la producción masiva de películas no comenzó hasta principios de 1900.

A principios del siglo XX, los primeros pequeños estudios cinematográficos, nickelodeons, se instalaron a menudo en escaparates convertidos y dedicados exclusivamente a la proyección de películas. El término «nickelodeon» se refería a la entrada de cinco centavos que generalmente se cobraba. Las películas que se mostraban en los nickelodeons podían ser vistas por una sola persona a la vez a través de un cinescopio, lo que permitía a la persona ver la película a través de una «mirilla». Más tarde, cientos de personas podían sentarse juntas en un cine y ver una película proyectada en una pantalla. El auge que siguió tendría un impacto masivo en la economía de los Estados Unidos. Desde los años 20 hasta los 40, Hollywood, California, fue la capital del mercado mundial de producción de películas. Una de las claves del éxito de esta industria fue la forma en que se adaptó a los cambios económicos y tecnológicos. Los juicios antimonopolio y de infracción de patentes, la Gran Depresión (1929-39), la Segunda Guerra Mundial (1939-45) y otros factores dañaron financieramente a la industria, pero siempre se recuperó. En lugar de doblarse, la industria cinematográfica simplemente evolucionó. Inicialmente el camarógrafo usaba muchos sombreros, actuando como director, productor, editor y distribuidor. La producción en masa cambió eso; a medida que se producían más películas, se hizo necesario delegar cada responsabilidad a un solo individuo.

Esta diversificación condujo a la creación de muchos nuevos puestos de trabajo y abrió un mercado para muchos de los ya existentes. A finales del siglo XX, una película requería cientos de personas, incluyendo directores, cineastas, especialistas en marketing, carpinteros y restauradores. Las propias compañías de producción se habían ramificado en tres tipos diferentes: los grandes, los pequeños y los independientes. Las grandes empresas, como Disney o Sony, eran grandes conglomerados de medios de comunicación que poseían una variedad de empresas de medios de comunicación de masas y normalmente se ocupaban no sólo de la producción de películas sino también de la distribución y la comercialización. Las minicompañías, como Orion Pictures Corporation, tendían a especializarse en géneros cinematográficos específicos. Si bien la mayoría de las empresas pequeñas y grandes también se ocupaban de la producción y la distribución, carecían del apoyo financiero de una empresa matriz diversificada, lo que significaba que su posición en la industria cinematográfica era ligeramente más vulnerable que la de las empresas grandes. Por último, los independientes, que permitían a los directores un mayor control creativo con muy poca intervención corporativa, generalmente no tenía poder de distribución. La mayoría de los productores independientes tenían que encontrar un inversor, a menudo una compañía de distribución, para comprar la película y llevarla a los cines. En el decenio de 1990 las películas independientes se hicieron más populares, y a medida que Internet se hizo más popular como medio de entretenimiento, los cineastas independientes descubrieron que podían distribuir sus películas publicándolas en línea, evitando así la necesidad de vender su película a una empresa externa. Independientemente del tipo de empresa productora, la industria cinematográfica siguió prosperando y en 1991 las películas producidas en los Estados Unidos ganaron aproximadamente 4.600 millones de dólares en todo el mundo. A principios del siglo XXI, la industria cinematográfica siguió adaptándose, utilizando, por ejemplo, mejores efectos especiales y animación generada por computadora. Las películas tridimensionales (3D), que aumentaban la ilusión de la percepción de la profundidad, se hicieron cada vez más populares y más salas de cine obtuvieron la tecnología necesaria para mostrarlas.

A pesar de la continua evolución, la industria cinematográfica se esforzó por predecir el éxito de una película en particular. Incluso después de que una película se hiciera popular, se desconocían las razones de su éxito. Incluso con directores y actores conocidos, una fórmula de historia previamente exitosa, nuevos efectos especiales o un gran presupuesto de producción o comercialización, una película no tenía garantizado el éxito.

Al igual que la industria cinematográfica, la radio nació a finales del siglo XIX y no se hizo popular hasta principios del siglo XX. El medio se consideró inicialmente como una novedad a principios del siglo XX, pero creció hasta convertirse en el primer medio de comunicación masiva «instantáneo» del mundo. Ya en 1921 se desarrollaron estaciones de radio que comenzaron a transmitir programas, como servicios religiosos, noticias y eventos deportivos. Con la creación de la Compañía Nacional de Radiodifusión (NBC) en 1926 y el Sistema de Radiodifusión de Columbia (CBS) en 1927, nacieron las redes nacionales de radiodifusión. En 1927 la Comisión Federal de Radio (FRC) comenzó a regular el contenido de las ondas. La radiodifusión comercial se convirtió rápidamente en la forma número uno de anunciar productos de todo tipo, incluyendo películas. En 1933 King Kong fue la primera película que se promocionó a través de la radio.

Con el advenimiento de la televisión a finales de la década de 1940, el dominio de la radio en los medios nacionales terminó. Sin embargo, la Comisión Federal de Comunicaciones (FCC) continuó otorgando licencias a nuevas estaciones de radio a un ritmo sin precedentes. Entre 1945 y 1960 el número de estaciones saltó de 973 a 4.306. A lo largo de las décadas de 1940 y 1950, las estaciones de radio desarrollaron una nueva estrategia de comercialización; en lugar de apuntar a un mercado nacional, cada estación se acercó a nichos de mercado específicos basados en la demografía de la audiencia, incluyendo la edad, la ubicación y el estatus socioeconómico. Se transmitieron por las ondas una variedad de formas musicales, como el country, el jazz y el rock n’ roll, dirigidas a públicos específicos. Los anunciantes podían promover sus productos basándose en el tipo de audiencia de la emisora, un modelo que siguió siendo la norma de la radio a principios del siglo XXI. Aunque la radio nunca recuperó su condición de medio de entretenimiento más popular, las emisoras siguieron siendo una importante fuente de noticias y entretenimiento entre las audiencias locales.

Se pueden establecer muchos paralelos entre la radio y su sucesor, la televisión. Al igual que la radio, la televisión comenzó su reinado bajo el control de grandes redes nacionales: NBC, CBS, y la American Broadcasting Company (ABC). Para 1955 más de la mitad de los hogares de los Estados Unidos tenían un televisor. Tanto la radio como el escenario perdieron una parte considerable de la audiencia, mientras que la radio sufrió la carga añadida de perder algunos de sus dólares de publicidad en favor de la televisión.
En el decenio de 1950 la ABC se encontró en una caída de los índices de audiencia. La cadena comenzó a experimentar con una programación más arriesgada destinada a captar una audiencia específica, de la misma manera que la radio había comenzado a transmitir a nichos específicos del mercado. Maverick (1957), protagonizado por James Garner, fue el primero de estos programas vanguardistas. La apuesta dio sus frutos, y pronto la ABC estaba emitiendo programas con lo que se consideraba en ese momento un contenido sexualmente explícito y violento, como 77 Sunset Strip (1958) y Los Intocables (1959). Esto establecería un estándar en la industria que continuaría a principios del siglo XXI. Durante los años 60 y 70, la CBS y la NBC comenzaron a enfocar su programación más hacia las audiencias objetivo también.

A mediados de la década de 1970 surgió una nueva amenaza para las cadenas: la televisión por cable. Home Box Office (HBO) y lo que eventualmente se convirtió en el Turner Broadcasting System ofrecían una mayor variedad de programación. A mediados de los 80 la red FOX se desarrolló con el objetivo de presentar una programación que empujara las barreras del buen gusto. Al igual que el teatro de variedades del pasado, FOX transmitía principalmente comedias y dramas de acción de baja audiencia.

El éxito de FOX estimuló un tremendo crecimiento de la industria del cable a finales de los 80 y principios del siglo XXI. Las tres grandes cadenas comenzaron a perder terreno con el lanzamiento de numerosas estaciones de cable.

El Canal del Golf, el Canal Familiar, la Red de Arte y Entretenimiento, y Comedy Central fueron sólo algunos ejemplos de las opciones disponibles para los televidentes. Este tipo de enfoque de marketing específico se conoció como narrow-casting. Al igual que la radio, la televisión comenzó a atender mercados específicos con el fin de aumentar las ventas de publicidad.
La industria de la televisión también pudo beneficiarse de las repeticiones (emisión de programas y películas antiguas). A diferencia de otros medios de comunicación que principalmente presentaban nuevas actuaciones, incluyendo conciertos, películas y deportes para espectadores, la televisión comenzó a beneficiarse de la retransmisión de contenidos. Canales de cable enteros, como TVLand y Turner Classic Movies, se dedicaron a material previamente emitido. El canal clásico de ESPN emitió viejos juegos deportivos.

La televisión también proporcionó otros medios para la industria cinematográfica: programación televisiva y venta de cintas de vídeo. Los principales estudios cinematográficos proporcionaban aproximadamente la mitad de toda la programación de la cadena en horario de máxima audiencia a principios del decenio de 1980. Las principales empresas de producción cinematográfica comenzaron rápidamente a comprar estaciones de televisión en todos los Estados Unidos. Paramount Pictures Corporation y Disney Studios se unieron a Twentieth Century Fox como actores principales en la industria de la televisión. A principios del siglo XXI, la mayoría de las estaciones de televisión eran propiedad de grandes conglomerados de medios de comunicación, como Comcast y Time Warner Cable Inc.

Al igual que el teatro o los deportes para espectadores, que deben experimentarse en la fuente, los parques de atracciones ofrecían muchos elementos de la industria del entretenimiento en un lugar central. El origen del parque de atracciones se remonta a la historia medieval, cuando las ciudades europeas albergaban «jardines de placer» llenos de fuegos artificiales, juegos, bailes, paseos y otras diversiones. Durante el siglo XIX los Estados Unidos se convirtieron en el principal promotor de parques de atracciones, en gran parte debido al desarrollo del tranvía. Con el fin de impulsar el negocio, las compañías de trolebuses construyeron parques de atracciones al final de su línea. Esta industria continuó creciendo, y para 1919 existían más de 1.500 parques de atracciones en los Estados Unidos.
La Segunda Guerra Mundial (1939-45) interrumpió el éxito de la industria, causando el cierre de muchos parques. A principios de la década de 1950 la televisión también alejó a la gente. Sin embargo, con la apertura de Disneylandia en 1955 el parque temático se hizo cada vez más popular, y muchos comenzaron a surgir en todo el país. Durante la década de 1990 y a principios del siglo XX, muchos parques de diversiones se asociaron con compañías de cine y televisión, y algunos parques comenzaron a ofrecer atracciones basadas en películas. Los dos parques más prominentes de este tipo fueron los Estudios Disney/MGM y los Estudios Universal. Ambos producían material de cine y televisión, así como extensas instalaciones de entretenimiento, como atracciones, restaurantes y espectáculos.
A principios del siglo XXI, el rápido avance de la tecnología tuvo un profundo efecto en el sector del entretenimiento. La tecnología digital cambió la naturaleza de la película; desde los efectos especiales hasta la edición y la proyección, este enfoque de alta tecnología abrió un nuevo reino de libertad visual a los cineastas y mejoró la calidad de la imagen también en los cines. A finales del decenio de 1990 y principios del decenio de 2000, la televisión de alta definición (TVAD) ofreció mejoras drásticas en la calidad de la imagen. El mayor cambio en la industria del entretenimiento vino de Internet. La gente pudo descargar música y películas en streaming, programas de televisión y programas de radio en sus teléfonos inteligentes, computadoras y tabletas. Esto creó una experiencia de entretenimiento portátil y personalizable. Internet se convirtió rápidamente en uno de los aspectos más importantes de la industria del entretenimiento.

Revisor de hechos: Marck